Avec Somewhere Out There, Galina Stetco explore la relation profonde entre vulnérabilité et protection. Une jeune enfant repose sous la présence rassurante d'une chienne dont le corps forme à la fois un abri et un rempart. La scène évoque un lien ancestral où la force du monde naturel devient une source de sécurité et de réconfort pour l'être humain.

La chienne, marquée par la matière texturée et les traces du temps, porte les signes de l'expérience, de la résilience et du dévouement. Ses mamelles visibles renforcent son rôle nourricier et maternel. Elle incarne une force forgée par les épreuves, une présence protectrice capable d'accueillir la fragilité sans la juger ni la contraindre.

À ses côtés, la petite fille apparaît dans toute sa vulnérabilité. Son regard tourné vers l'extérieur suggère autant l'émerveillement que l'incertitude face au monde. Ensemble, les deux figures créent un équilibre entre puissance et délicatesse, instinct et innocence, passé et présent. Somewhere Out There nous rappelle que la véritable force réside souvent dans la capacité de protéger, d'accompagner et de transmettre un sentiment de sécurité à ceux qui en ont besoin.

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Dans cette sculpture, Galina Stetco évoque la naissance d’un monde nouveau à travers le regard et l’imagination d’une jeune fille. L’enfant tient un pinceau dans une main — symbole des couleurs, des possibilités et des directions qu’elle peut donner à ce futur — tandis que l’autre main accueille une petite créature issue de son univers imaginaire.

Les résines polymères permettent à l’artiste de modeler la matière avec une grande liberté expressive, renforçant l’impression d’une œuvre en devenir. Les textures irrégulières et les formes organiques traduisent ce moment fragile où une idée prend vie et où l’imaginaire commence à façonner la réalité.

Galina explore ici le pouvoir créatif inné de l’enfance : cet espace intérieur où tout demeure possible, où les frontières n’existent pas encore et où l’on construit librement selon ses rêves. Shape of New World devient ainsi une métaphore de la création, de l’espoir et du potentiel de transformation que chacun porte en soi.

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Dans cette œuvre, Galina Stetco adopte une approche directe, brute et transparente du geste pictural. Loin de toute volonté d’idéaliser le corps ou d’en magnifier la beauté, elle présente la nudité comme une réalité sensible, presque quotidienne, inscrite dans la matière même de la toile.

La figure humaine, dressée de face, s’impose par sa présence authentique. Elle ne cherche pas à séduire le regard : elle existe pleinement, dans sa fragilité, sa densité et sa vérité. Les textures épaisses, les traces de matière et les contrastes de tons traduisent cette volonté de montrer le corps non comme une image idéalisée, mais comme un espace vécu, traversé par l’expérience.

Le visage partiellement effacé ou obscurci renforce le mystère évoqué par le titre, comme si l’œuvre portait en elle une part de silence ou d’intime retenu. Cette présence troublante révèle à la fois la vulnérabilité du corps et sa capacité à tenir, à traverser, à surmonter. Par son langage gestuel libre et expressif, l’artiste donne à voir une humanité nue, sans artifice, où la force naît précisément de l’acceptation de cette fragilité.

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Avec Man of concern, Galina Stetco évoque la connexion profonde entre l’être humain et l’espace qu’il habite. La figure d’homme, composée d’environ 2 000 rectangles en acier inoxydable, tient un arbre dans ses mains. Ces fragments métalliques représentent symboliquement les feuilles que l’arbre a prêtées pour créer la silhouette humaine, comme si la nature elle-même participait à notre construction.

Dans cette œuvre, l’arbre devient plus qu’un simple élément visuel : il incarne l’univers, la nature à laquelle nous sommes intimement liés. Par cette rencontre entre la figure humaine et l’arbre, Galina Stetco propose une réflexion sensible sur notre relation au monde vivant, sur notre interdépendance et sur la conscience de ce qui nous entoure. La sculpture dégage une présence à la fois forte et méditative, où la matière industrielle se transforme en langage poétique pour exprimer à la fois fragilité, responsabilité et appartenance.

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Cette œuvre présente un enfant absorbé par la découverte d’un poisson qu’il tient délicatement entre ses mains. Autour de lui, l’espace pastel — dépouillé, presque silencieux — crée un monde en suspension, éloigné de la complexité du quotidien. La scène évoque un retour instinctif vers ce qui est simple, vivant et immédiat.

Dans ce geste de contemplation, l’enfant se reconnecte à l’essentiel : la présence, la curiosité, l’attention portée au vivant. Le poisson, fragile et réel, devient le symbole d’une relation authentique, à rebours de la distraction constante que la modernité impose. L’œuvre interroge ainsi notre capacité à rester en contact avec ce qui compte vraiment, à retrouver un regard clair, sincère et profondément humain.

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Dans cette œuvre, un jeune garçon se tient au seuil d’une forêt dense, entre lumière et obscurité. Derrière lui, les arbres s’élèvent comme une architecture ancienne : un monde fait de savoir, de silence et de mystère. La texture rugueuse des troncs contraste avec la présence douce et immobile de l’enfant, absorbé par son propre univers intérieur.

Au cœur de la forêt, une forme lumineuse s’anime — une vision mouvante qui semble naître de l’imaginaire du garçon. Cet éclat fragile ouvre un passage vers l’inconnu, comme une intuition qui montre la direction sans jamais l’imposer. L’œuvre explore ainsi l’enfance comme terrain de transitions : un espace où l’on porte déjà, en soi, la promesse des possibles et l’espoir discret de voir un rêve prendre forme.

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Avec Trust me, Galina Stetco explore le soutien, la protection et la compassion envers les plus vulnérables. La sculpture montre un jeune enfant serrant contre lui un chat, comme pour lui offrir chaleur, réconfort et sécurité.

Ce geste tendre révèle la capacité instinctive d’aider et de protéger, même lorsqu’on est soi-même petit. À travers cette relation silencieuse, Galina met en lumière une vérité universelle : la force ne réside pas dans la taille, mais dans l’élan du cœur et la volonté d’être là pour l’autre.

Le bronze, travaillé avec une texture douce, exprime à la fois la fragilité du vivant et la beauté du geste protecteur. Trust me devient un rappel précieux : chacun possède en soi la capacité de soutenir, de rassurer et d’accompagner ceux qui en ont besoin.

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Avec Duality, Galina Stetco explore la coexistence de nos différentes facettes intérieures. Deux torses se font face — semblables, mais jamais identiques — comme les multiples états d’une même personne ou la rencontre de deux êtres aux réalités distinctes.

Les formes anguleuses, presque architecturales, évoquent les passages, les cicatrices et les lignes de force qui construisent l’esprit humain. Montées sur des bases contrastées, l’une brute et l’autre plus lisse, les sculptures soulignent les oppositions naturelles : force et vulnérabilité, stabilité et mouvement, intériorité et présence.

Cette œuvre devient une métaphore silencieuse de ce qui nous habite : la dualité constante entre ce que nous sommes, ce que nous montrons, et ce qui se transforme en nous.

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La matière vibrante du bronze, travaillée dans une texture presque organique, reflète ce moment fragile où l’idée prend forme. Galina explore ici le pouvoir créatif inné de l’enfance : cet espace intérieur où tout est encore possible, où les limites n’existent pas, où l’on façonne selon ce que l’on imagine, sans contraintes sociales ni règles préétablies.

Shape of New World devient ainsi une métaphore douce et lumineuse : le monde que nous construisons dépend de la liberté de rêver, de la capacité de créer, et de ce regard nouveau qui ose transformer l’inconnu.

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Galina poursuit ici sa réflexion sur l’inclusion et l’innocence : cet âge où l’on n’a pas encore reçu toutes les normes que la société impose, où la curiosité et la tendresse priment sur la différence. Le poisson devient une présence familière, un ami possible, un alter ego silencieux.

Par son traitement du bronze, l’artiste fait vibrer la matière entre poésie et humanité, offrant une scène suspendue où l’enfant rappelle ce que nous avons tous été : ouverts, spontanés, capables de reconnaître une âme sœur dans ce qui nous semble, plus tard, “autre”.

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